Terry Teachout, crítico de música da Commentary e crítico de teatro do Wall Street Journal diz que a música clássica nos EUA está em situação difícil e até desesperada. Críticos, comentaristas e administradores perceberam alarmados que as plateias dos concertos estão envelhecendo constantemente e que as pessoas com menos de 50 anos não parecem inclinadas a assistir a espetáculos de música clássica ou a apoiar as entidades que os promovem.

Alguns apresentadores e artistas reagiram tentando modificar a honorável instituição do recital solo, de maneira a torná-lo menos formal e mais contemporâneo. Por exemplo, hoje os artistas clássicos são aconselhados a falar com o público do palco, a tocar uma combinação de repertório mais amplo e mais recente e até a empregar técnicas modernas de encenação.

Mas, como bem sabe qualquer um que acompanhe os programas da principal sala de concertos dos EUA (o Carnegie Hall), poucos artistas estão seguindo esse conselho.

Com muita frequência, os intérpretes clássicos continuam a aparecer diante do público vestidos de maneira mais ou menos formal e a tocar programas de duas horas de duração, que consistem em três ou quatro grupos de peças tiradas do repertório padrão e arranjadas em ordem cronológica, sem falar uma palavra em voz alta, exceto para anunciar os bis.

O que poucas pessoas que hoje vão a concertos sabem é que houve uma época em que os recitais clássicos eram muito diferentes – menos rígidos, mais improvisados e, principalmente, mais populistas no tom.

Mas, assim como os estilos de tocar dos intérpretes mudaram com a chegada do modernismo, mudou a maneira como se apresentam ao público. Essas mudanças são o tema de um importante novo livro de Kenneth Hamilton, intitulado After the Golden Age – Romantic Pianism and Modern Performance. Na virada do século 20 um punhado de instrumentistas clássicos começou a fazer gravações comerciais, e uma ou duas décadas depois a prática havia se tornado comum entre os intérpretes conhecidos.

A execução pianística da era de ouro pouco se assemelhava à maior parte do que se ouve hoje nas salas de concerto.

NOTAS ERRADAS

As principais diferenças, todas discutidas em detalhe por Hamilton, são: os pianistas geralmente tratavam a partitura como um guia para a interpretação, mais que um conjunto definitivo de instruções. Muitos deles acrescentavam floreios não-escritos de diversos tipos às peças que tocavam.

Vladimir Horowitz, o último grande pianista clássico que tocou com essa liberdade textual, gravou versões de obras como a Rapsódia Húngara nº 15 de Liszt que se afastam da partitura de modo tão drástico que representam verdadeiras composições originais.

Os pianistas dessa era davam maior valor ao brilho e à espontaneidade do que à execução precisa e, consequentemente, vários deles tocavam muito mais notas erradas do que seria considerado aceitável pelos críticos e o público de hoje.

Os pianistas do século 19 não apenas tocavam de modo diferente dos de hoje, como o estilo de suas apresentações públicas também diferia, e de maneira igualmente significativa.

O recital solo, como Hamilton nos lembra, foi inventado por Franz Liszt em 1840. Antes disso, os pianistas e outros instrumentistas apareciam em concertos de “variedades” que incluíam outros artistas.

Mesmo depois que Liszt foi (nas palavras dele) “ilimitadamente insolente” e começou a tocar programas que o apresentavam com exclusividade, o concerto de variedades continuou vigente. Somente no final do século 19 tornou-se norma para os pianistas apresentarem-se sós, em vez de com artistas assistentes. Liszt, por exemplo, encorajava seus ouvintes a depositarem sugestões por escrito em uma urna localizada no saguão do teatro, cujo conteúdo ele examinava no palco e escolhia uma ou mais para tocar.

Foto: divulgação